Une production des Editions Untitled / EnCasOu
http://www.editions-untitled.fr 
Réalisation au sein de l’école des beaux arts de Besançon

Photographies de Gabriel Vieille

François Bénard a mené depuis ses débuts un travail sculptural où il a largement expérimenté les matériaux, leur résistance et leurs réactions. Ses interventions physiques prennent diverses formes : torsion, entrelacement, enserrement, plissage, construction, empilement... Les premières séries d’œuvres – qui par ailleurs exploraient d’autres pratiques que la sculpture – ont révélé ses matériaux fétiches tels que le béton, la faïence ou encore la mousse.

Dans l’œuvre de François Bénard, les matériaux ne sont jamais pensés indépendamment mais dans une logique d’interaction entre eux ou avec d’autres corps. Ils sont parfois confrontés à des objets ready-made – conservés dans leur intégralité ou amputés pour ne retenir qu’un aspect plastique. Ces objets sont précisément choisis pour leur qualité matérielle et leur capacité d’action sur une autre matière*. On assiste ainsi à de nouvelles expressions sculpturales qui combinent formes abstraites et objets ready-made mais qui surtout résultent de rencontres et de tensions inattendues. Cette quête esthétique, François Bénard la mène sur deux hémisphères : celui de l’abstraction et du figuratif. Et certaines œuvres – bien qu’intégrant des objets usuels aisément identifiables – se révèlent être un hymne au jeu possible et infini des matières.

Le choix des objets et des matériaux n’en demeure pas moins révélateurs de notre société de consommation qui en augmentant les échelles de production, réduit à vitesse grand V les cycles de vie des produits et réactive à outrance des besoins jetables dont le consommateur devient prisonnier. L’utilisation des éponges, sangles, tongs en plastique, fils a scoubidou sont de sérieux indices. Ce discours en filigrane est néanmoins suggéré avec humour, distance et légèreté. L’esthétique est pop, les couleurs sont acidulées et les références au jeu sont régulièrement convoquées**.

L’œuvre Chiots de faience est une série de six chiots de faïence réalisée sur un principe d’invariables – échelle, matériaux – et de variables – couleur, position. L’univers domestique au-delà de l’animal est immédiatement présent. Le sujet et son format ne vont pas sans rappeler ces sculptures kitsch en céramique pour décorer les jardins alors que le carrelage, la facture et le choix des couleurs renvoient à l’espace de la salle de bains.
Ces sculptures géométriques résultent également d’un travail de construction réfléchi à la manière d’un architecte. Une unité de mesure préalablement définit par l’artiste en fonction du matériau sert de point de départ au déploiement du volume. Ici, le gabarit est un carré de faïence mesurant 5 cm de côté. Et il devient le prétexte à la création une grille où les lignes se rencontrent et se rompent dans une recherche esthétique. En rupture avec la composition carrelée, chacune de ces sculptures intègrent un objet manufacturé – ici un collier canin en cuir – qui perd sa fonction utilitaire au bénéfice d’un jeu formel lié au volume. L’œuvre donne ainsi à voir avec froideur, distance et humour des petits bulldogs bien en vogue.

* C’est ainsi par exemple que les œuvres en béton sanglées prennent forme. Voir la série Sans lourd titre, pour l’instant, 2008, béton, sangle (www.francoisbenard.com). 
** Voir les séries Air Play, 2007, Pétanque, 2005-2008, MultiColorRope, 2007, Frite, 2005-2007 (www.francoisbenard.com).

Notes d'atelier, Novembre 2007 :

Au début des années 2000, ma pratique se précise vers l'exploration du statut de l'objet d'art. En effectuant un état des lieux sur la diversité des outils de création qui génèrent ce statut, mon intérêt se porte, non pas sur la sculpture elle même, mais sur son mode de présentation. Au-delà de la relation entre sculpture et espace, je concentre ma démarche sur l'interaction socle/sculpture.

Dans un premier temps, la dissociation entre socle et sculpture est identifiable. La « sculpture » est représentée par un objet du quotidien choisi pour sa fonction usuelle éloignée de la sphère artistique. Afin de rester culturellement identifiable, l'objet est posé et non modifié.

Sa sélection est aussi liée à des caractéristiques techniques (texture, poids, couleur, dimension …) permettant la création d'un système sur-mesure de type « socle ». Cependant, l'interaction entre l'objet et le socle ne se définit pas chronologiquement car l'idée d'un socle peut provoquer la recherche d'un objet spécifique et inversement.

Cette première approche ouvre mon champ d'investigation sur les notions de fusion, d'inversion, de modularité … Dans la fusion, socle et objet deviennent indissociables. L'action initiale de poser l'objet est devenue une incorporation de l'objet dans la masse. La lecture sous-jacente du principe socle/sculpture comme d'une sculpture unique devient effective. L'inversion sculpture/socle intervient par le retournement de l'ensemble, l'objet supporte alors le socle (ou initialement le socle) et se trouve en contact avec le sol. La modularité peut apparaître par l'utilisation multiple du même thème ou de la même variation de composition. Selon les cas, ces états se juxtaposent avec toujours l'optique d'aborder le processus de création au travers de la monstration. Chaque sculpture pose une évidence qui peut être consolidée ou remise en cause dans la suivante. Il n'y a pas de recherche de vérité absolue ou consensuelle. Rien n'est définitif. L'art est un espace de liberté multiforme.

Alors quelle lecture avoir d'une sculpture intégrant un objet du quotidien ? Dans mes compositions, la distinction socle/sculpture s'efface au profit d'une œuvre abstraite intégrant des objets rendu inusuels car écartés de leur fonction d'origine. Reste à charge et à la liberté du spectateur de ressentir selon sa perception et sa sensibilité de l'instant ou futur.

 
Notes d'atelier, Juin 2007 :

Couleur, texture, transparence, poids, densité, volume … sont des caractéristiques communes à une frite d'aquagym, à de la peinture à l'huile, à un bloc de marbre ou à une piscine gonflable.

Le coût d'un matériau ne fait pas sa valeur artistique et une éponge n'est définitivement pas une œuvre d'art !

Accumuler, scier, coller, ranger, bouger, occuper, colorer, colorier, retourner, parler, mouiller, souiller, casser … Le travail de la matière génère une interprétation de la « touche » de l'artiste et peut décaler l'analyse de la production montrée à l'analyse psychologique voire psychiatrique de l'artiste.

L'art n'est pas contenu dans la technicité et l'art n'est pas l'artiste !

Le désir est de produire de l'art pour échanger et comprendre cet art, de mettre en retrait l'artiste au profit de sa création, de laisser à cet art une autonomie et donc une possible ré-appropriation du spectateur face à l'œuvre qui lui est proposée. De provoquer la contemplation ?

L'artiste est au service de l'art.

Heureusement, rien n'est définitif.

Déjouer les évidences. Jouer est une évidence !

Une éponge … de l'art ?